Presentación
Walt Disney Animation Studios es un estudio estadounidense de animación cuya historia se remonta a 1923, cuando Walt Disney y Roy O. Disney fundaron en Hollywood el Disney Brothers Cartoon Studio.
La compañía comenzó modestamente con las Alice Comedies, que combinaban animación y acción real.
Pocos años después, Walt Disney y su colaborador Ub Iwerks crearon a Mickey Mouse. El éxito de Steamboat Willie en 1928, con su destacada utilización del sonido sincronizado, transformó profundamente el futuro del estudio.
Disney desarrolló posteriormente las Silly Symphonies, experimentó con el color, mejoró sus métodos narrativos y participó en el desarrollo de nuevas técnicas de filmación.
En 1937, Snow White and the Seven Dwarfs llevó al estudio al largometraje y transformó la industria de la animación.
Le siguieron Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cinderella, Alice in Wonderland, Peter Pan, Sleeping Beauty, One Hundred and One Dalmatians, The Jungle Book y muchos otros clásicos.
Tras la muerte de Walt Disney en 1966, el estudio atravesó varias décadas de transiciones, éxitos y periodos de incertidumbre.
A partir de The Little Mermaid en 1989, una nueva generación de películas inició el periodo conocido habitualmente como Renacimiento Disney, con títulos como Beauty and the Beast, Aladdin, The Lion King, Pocahontas, The Hunchback of Notre Dame, Mulan y Tarzan.
El estudio evolucionó posteriormente hacia la animación digital, aunque continuó explorando ocasionalmente el dibujo tradicional.
Películas como Tangled, Wreck-It Ralph, Frozen, Big Hero 6, Zootopia, Moana, Encanto y sus secuelas renovaron su catálogo para nuevas generaciones.
La innovación tecnológica ha permanecido en el centro de esta historia: sonido sincronizado, Technicolor, cámara multiplano, Fantasound, xerografía, CAPS, animación 3D, simulación digital y nuevas herramientas de renderizado han acompañado repetidamente la evolución artística del estudio.
Más de un siglo después de su creación, Walt Disney Animation Studios sigue siendo una estructura distinta de Pixar dentro de The Walt Disney Company.
Con sede principalmente en Burbank y presencia también en Vancouver, el estudio continúa desarrollando creaciones originales, franquicias históricas y nuevas investigaciones artísticas y tecnológicas.
Historia
1923 — Walt y Roy Disney fundan su estudio
A comienzos de 1923, Walt Disney se encontraba en una situación difícil.
Su anterior estudio de Kansas City, Laugh-O-gram Films, no había logrado sobrevivir económicamente.
Walt abandonó entonces Missouri rumbo a California, donde ya vivía su hermano Roy O. Disney.
Llevaba consigo un proyecto que combinaba animación y acción real: Alice’s Wonderland.
La distribuidora Margaret Winkler aceptó financiar una serie basada en esta idea.
El 16 de octubre de 1923, Walt firmó el contrato que permitió lanzar oficialmente la producción de las Alice Comedies.
Walt y Roy emprendieron juntos la actividad bajo el nombre de Disney Brothers Cartoon Studio.
Esta fecha se convirtió en el punto de partida histórico de la compañía Disney y de su actividad de animación.
Las Alice Comedies
Las primeras producciones presentaban a una joven actriz real evolucionando dentro de un mundo principalmente animado.
Esta inversión del principio habitual — colocar a una persona real entre personajes dibujados — permitió al joven estudio diferenciarse.
Los recursos seguían siendo extremadamente limitados.
Walt dibujaba, dirigía, organizaba la producción e intentaba mejorar constantemente los métodos de trabajo.
Los ingresos generados por las Alice Comedies permitieron progresivamente a los hermanos Disney desarrollar la empresa y trasladarse a instalaciones más adecuadas.
Oswald the Lucky Rabbit
A finales de los años 1920, el estudio desarrolló Oswald the Lucky Rabbit para Universal.
El personaje obtuvo cierto éxito.
Pero Walt Disney descubrió en 1928 que él mismo no poseía los derechos sobre Oswald.
Esta experiencia se convirtió en una de las lecciones más importantes de su carrera.
Walt comprendió la importancia de controlar los personajes y propiedades creados por su estudio.
La pérdida de Oswald obligó además al equipo a crear rápidamente un nuevo personaje.
1928 — Mickey Mouse
Con la ayuda esencial de Ub Iwerks, Walt Disney desarrolló a Mickey Mouse.
Los primeros cortometrajes producidos alrededor del personaje fueron Plane Crazy y The Gallopin’ Gaucho.
Pero el cine atravesaba entonces una revolución: el sonido.
Walt decidió aprovechar esta novedad.
La tercera película de Mickey, Steamboat Willie, fue concebida alrededor de una sincronización precisa entre animación, música y efectos sonoros.
Steamboat Willie
Steamboat Willie se estrenó en el Colony Theatre de Nueva York el 18 de noviembre de 1928.
Su utilización del sonido sincronizado impresionó profundamente al público.
La película convirtió casi inmediatamente a Mickey Mouse en una estrella.
La fecha de su estreno se convirtió también en la utilizada para celebrar oficialmente el nacimiento del personaje.
El éxito proporcionó al estudio una nueva estabilidad.
Mickey pronto sería acompañado por Minnie, Pluto, Goofy, Donald Duck y varios otros personajes convertidos en iconos.
Las Silly Symphonies
Disney desarrolló paralelamente las Silly Symphonies.
A diferencia de las películas centradas en Mickey, estos cortometrajes permitían experimentar con mayor libertad con la música, la animación, los personajes y las técnicas visuales.
La serie se convirtió en un auténtico laboratorio.
Los artistas podían probar nuevos métodos sin tener que respetar las características de una franquicia principal.
Muchas innovaciones utilizadas posteriormente en los largometrajes fueron experimentadas primero en estos cortos.
1932 — Flowers and Trees y el color
En 1932, Disney estrenó Flowers and Trees.
El cortometraje se convirtió en una de las primeras grandes demostraciones del proceso Technicolor de tres bandas aplicado a la animación.
Walt Disney había obtenido un periodo de exclusividad para utilizar esta tecnología en dibujos animados.
El resultado convenció rápidamente al estudio de abandonar progresivamente el blanco y negro en las Silly Symphonies.
Flowers and Trees ganó además el Óscar al mejor cortometraje de animación.
El color se convirtió en una nueva herramienta creativa para Disney.
Una animación centrada en la personalidad
Durante los años 1930, Walt impulsó a sus artistas a superar el simple movimiento cómico.
Los personajes debían dar la impresión de pensar antes de actuar.
Esta búsqueda aparece especialmente en Three Little Pigs en 1933.
Los tres cerditos poseen personalidades diferentes pese a diseños relativamente similares.
La canción Who’s Afraid of the Big Bad Wolf? se volvió extremadamente popular.
Para Disney, la capacidad de crear una personalidad convincente se volvió progresivamente más importante que la simple virtuosidad técnica.
Formar a los animadores
Walt invirtió también en la formación de sus equipos.
Los artistas estudiaban dibujo, anatomía, movimiento humano y animal, interpretación y puesta en escena.
Se organizaron cursos para mejorar su comprensión del volumen y del comportamiento.
Esta voluntad de profesionalizar la animación contribuyó a transformar una industria todavía ampliamente basada en el cortometraje cómico.
El estudio preparaba así progresivamente un proyecto considerado por muchos imposible.
La cámara multiplano
Disney buscó dar mayor profundidad a los decorados dibujados.
La cámara multiplano permitía colocar diferentes elementos gráficos en varios niveles y moverlos de manera independiente delante de la cámara.
La técnica creaba una impresión de profundidad mucho más convincente.
El cortometraje The Old Mill, estrenado en 1937, sirvió especialmente como demostración de esta tecnología.
La cámara multiplano se utilizaría posteriormente de manera amplia en los largometrajes del estudio.
1937 — Snow White and the Seven Dwarfs
El 21 de diciembre de 1937, Disney presentó Snow White and the Seven Dwarfs.
El proyecto había provocado mucho escepticismo dentro de la industria.
Producir una historia animada de más de una hora parecía arriesgado, caro y técnicamente extremadamente complejo.
Sin embargo, el éxito fue enorme.
El público aceptó plenamente seguir a personajes dibujados dentro de una historia dramática, musical y emocional de larga duración.
El resultado cambió definitivamente la escala de las ambiciones del estudio.
El paso al largometraje
El éxito de Snow White permitió a Disney construir un nuevo estudio en Burbank.
El largometraje se convirtió entonces en el núcleo de la actividad de animación.
Los equipos desarrollaron simultáneamente varios proyectos extremadamente ambiciosos.
Este periodo produjo algunas de las películas más importantes de la historia del estudio, aunque sus costes y el contexto internacional dificultaron en ocasiones su rentabilidad.
1940 — Pinocchio
Pinocchio se estrenó en 1940.
Adaptada del relato de Carlo Collodi, la película sigue a una marioneta que sueña con convertirse en un niño de verdad.
Los artistas desarrollaron efectos complejos relacionados con el agua, la iluminación y los movimientos de cámara.
Jiminy Cricket se convirtió en una de las grandes figuras de la película.
Aunque la situación internacional limitó inicialmente sus resultados en varios mercados, Pinocchio se convirtió con el tiempo en uno de los grandes clásicos del estudio.
1940 — Fantasia
Ese mismo año, Disney estrenó Fantasia.
La película combina varias secuencias animadas con obras de música clásica.
Walt quería crear una experiencia audiovisual de una ambición excepcional.
El estudio desarrolló especialmente Fantasound, un sistema sonoro multicanal precursor del sonido estereofónico cinematográfico.
Mickey Mouse aparece en la célebre secuencia de The Sorcerer’s Apprentice.
Fantasia tuvo una historia comercial compleja, pero acabó convirtiéndose en uno de los proyectos más ambiciosos de Disney.
1941 — Dumbo
Los elevadísimos costes de Pinocchio y Fantasia obligaron al estudio a producir de manera más eficiente.
Dumbo, estrenada en 1941, adoptó una fabricación más económica.
La película cuenta la historia de un joven elefante con unas orejas excepcionalmente grandes.
Su sencillez narrativa y emocional contrasta con la sofisticación técnica de varias producciones anteriores.
El resultado se convirtió en uno de los títulos más queridos de esta primera etapa.
1942 — Bambi
Bambi se estrenó en 1942.
La película se apoya en una observación detallada de los animales y la naturaleza.
Los animadores estudiaron realmente el movimiento de los ciervos y otras especies para lograr una animación más creíble.
La historia sigue a Bambi desde su nacimiento hasta la edad adulta.
La película combina asombro, aprendizaje y confrontación con la muerte de una manera especialmente inusual para la época.
La Segunda Guerra Mundial
La guerra alteró profundamente la actividad del estudio.
Los mercados internacionales se volvieron difíciles de alcanzar y varias producciones anteriores tuvieron problemas para recuperar sus costes.
Disney participó también en el esfuerzo de guerra estadounidense produciendo películas educativas, propaganda y materiales destinados a las fuerzas armadas.
El estudio ya no podía mantener inmediatamente el ritmo y la ambición de los grandes largometrajes de los años anteriores.
Las películas «package»
Durante los años 1940, Disney produjo varias películas compuestas por segmentos más cortos.
Saludos Amigos, The Three Caballeros, Make Mine Music, Fun and Fancy Free, Melody Time y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad pertenecen a esta etapa.
Esta organización permitió al estudio continuar produciendo pese a los recursos limitados.
También ofreció la posibilidad de experimentar con diferentes formas musicales y gráficas.
1950 — Cinderella relanza el estudio
En 1950, Disney regresó plenamente al gran cuento de hadas con Cinderella.
La película representaba una inversión considerable para una compañía todavía económicamente frágil.
Su éxito fue por tanto especialmente importante.
Cinderella ayudó a estabilizar la actividad del estudio y abrió una nueva etapa de largometrajes ambiciosos.
El personaje se unió rápidamente a Snow White entre las grandes heroínas de Disney.
Alice in Wonderland y Peter Pan
Alice in Wonderland se estrenó en 1951 y Peter Pan en 1953.
Ambas películas adaptaban conocidas obras literarias británicas.
Desarrollaban universos fantásticos donde los animadores podían jugar con transformaciones, cambios de escala y personajes excéntricos.
Peter Pan introdujo especialmente la versión Disney de Tinker Bell, que se convertiría en uno de los personajes más reconocibles del universo Disney.
1955 — Lady and the Tramp
Lady and the Tramp se estrenó en 1955.
La película cuenta la relación entre Lady, una perra que vive en un hogar confortable, y Tramp, un perro callejero.
Se convirtió en el primer largometraje de animación Disney concebido para el formato panorámico CinemaScope.
La famosa escena de la cena de espaguetis entre ambos perros se convirtió en una de las imágenes más emblemáticas del estudio.
1959 — Sleeping Beauty
Sleeping Beauty se estrenó en 1959.
La película destaca por la dirección artística muy estilizada de Eyvind Earle.
Sus fondos, inspirados especialmente en el arte medieval y la ilustración, proporcionan a la producción una identidad radicalmente diferente de los cuentos Disney anteriores.
La película utiliza también ampliamente la cámara multiplano y el formato panorámico.
Su coste particularmente elevado empujó, sin embargo, al estudio a buscar nuevos métodos de producción.
1961 — One Hundred and One Dalmatians y la xerografía
Con One Hundred and One Dalmatians en 1961, Disney generalizó el uso de la xerografía para transferir directamente los dibujos de los animadores a los acetatos.
Esta técnica reducía considerablemente el trabajo de entintado manual.
El trazo original de los animadores se volvió además mucho más visible en pantalla.
El estilo de la película resulta así muy diferente al de Sleeping Beauty.
Esta evolución tecnológica ayudó a Disney a mantener económicamente la producción de largometrajes dibujados a mano.
1967 — The Jungle Book
The Jungle Book se estrenó en 1967, pocos meses después de la muerte de Walt Disney en diciembre de 1966.
Fue el último largometraje de animación cuyo desarrollo Walt supervisó personalmente en gran medida.
La película se apoya fuertemente en las personalidades de sus personajes y en la música.
Baloo, Bagheera, King Louie y Shere Khan se convirtieron rápidamente en figuras emblemáticas.
Su éxito proporcionó al estudio una transición importante en el momento de la desaparición de su fundador.
Después de Walt Disney
La muerte de Walt planteó una pregunta fundamental: ¿podía el estudio continuar sin la persona que había guiado directamente su desarrollo desde 1923?
Los artistas y responsables restantes continuaron produciendo.
Varios de los célebres Nine Old Men, generación de animadores que había participado en los grandes clásicos, seguían desempeñando papeles centrales.
Pero el estudio debía preparar progresivamente un relevo.
1970 — The Aristocats
The Aristocats se estrenó en 1970.
La película sigue a una familia de gatos parisinos amenazada por un mayordomo que quiere quedarse con su herencia.
Fue el primer largometraje animado Disney producido completamente después de la muerte de Walt.
Su éxito demostró que el departamento de animación podía continuar funcionando.
Robin Hood y The Rescuers
Robin Hood llegó en 1973 con una reinterpretación animal del famoso héroe.
Después, The Rescuers, estrenada en 1977, siguió a dos ratones de la Rescue Aid Society que intentan salvar a una niña secuestrada.
El éxito de The Rescuers fue especialmente importante.
Demostró que una nueva generación podía comenzar a tomar el relevo de los veteranos históricos del estudio.
Una nueva generación de animadores
Durante los años 1970 y comienzos de los años 1980, jóvenes artistas se incorporaron a Disney.
Varios de ellos desempeñarían posteriormente papeles importantes dentro de la animación estadounidense, en Disney o en otros lugares.
La producción de The Fox and the Hound se convirtió especialmente en un punto de encuentro entre las generaciones antiguas y nuevas.
El relevo fue a veces difícil, pero se volvió indispensable.
1981 — The Fox and the Hound
The Fox and the Hound se estrenó en 1981.
La película cuenta la amistad entre Tod, un zorro, y Copper, un perro de caza cuyos papeles naturales y sociales parecen destinarlos a convertirse en enemigos.
La producción atravesó varios cambios de equipo.
Simboliza especialmente la transición entre los artistas formados directamente bajo Walt Disney y quienes definirían el futuro del estudio.
1985 — The Black Cauldron
The Black Cauldron se estrenó en 1985.
La película adopta una fantasía más oscura inspirada en las Chronicles of Prydain de Lloyd Alexander.
Su producción fue larga y difícil.
Su decepcionante recepción comercial reforzó las dudas sobre el futuro de la animación en Disney.
El estudio se encontraba entonces muy lejos de la posición dominante que había ocupado varias décadas antes.
1986 — The Great Mouse Detective
The Great Mouse Detective se estrenó en 1986.
La película traslada el universo del detective victoriano a una sociedad de ratones que vive bajo Londres.
La secuencia final dentro del Big Ben utiliza especialmente elementos digitales para crear los engranajes del reloj.
El éxito relativo de la película devolvió cierta confianza a los equipos.
En la misma época, la actividad adoptó el nombre de Walt Disney Feature Animation, especialmente para distinguirla de la producción televisiva.
1988 — Oliver & Company
En 1988, Oliver & Company trasladó libremente Oliver Twist al Nueva York contemporáneo.
La película obtuvo un éxito alentador.
Pero el siguiente proyecto transformaría mucho más profundamente el destino del estudio.
Disney regresó al cuento musical, fórmula que había construido parte de su reputación histórica.
1989 — The Little Mermaid
The Little Mermaid se estrenó en 1989.
Dirigida por John Musker y Ron Clements, con canciones de Howard Ashman y Alan Menken, la película cuenta la historia de Ariel, una joven sirena fascinada por el mundo humano.
Su mezcla de cuento, humor, personajes secundarios memorables y canciones integradas en la narración obtuvo un enorme éxito.
La película suele considerarse el inicio del Renacimiento Disney.
CAPS y el paso a la producción digital
Durante la misma etapa, Disney comenzó a transformar sus métodos de fabricación.
El sistema CAPS, desarrollado con Pixar, digitalizó el coloreado y la composición dentro de la animación tradicional.
Sustituyó progresivamente las técnicas basadas en fotografiar acetatos físicos.
La secuencia final de The Little Mermaid ya utilizaba esta tecnología.
The Rescuers Down Under, estrenada en 1990, se convirtió después en el primer largometraje Disney finalizado completamente mediante CAPS.
1991 — Beauty and the Beast
Beauty and the Beast se estrenó en 1991.
Belle y la Bestia se convirtieron en el centro de un musical animado inspirado en el cuento francés.
La película obtuvo un enorme éxito crítico y comercial.
Se convirtió en el primer largometraje de animación nominado al Óscar a la mejor película.
Este reconocimiento demostró que la animación Disney había recuperado un lugar central dentro de la cultura cinematográfica.
1992 — Aladdin
Aladdin se estrenó en 1992.
La película transporta al público a Agrabah e introduce al Genio, interpretado en la versión original por Robin Williams.
La actuación de Williams influyó profundamente en la construcción del personaje.
La película obtuvo un enorme éxito.
Disney demostró que el renacimiento iniciado con The Little Mermaid no era un fenómeno temporal.
1994 — The Lion King
En 1994, The Lion King se convirtió en uno de los mayores fenómenos de la historia del estudio.
La historia de Simba, joven león que debe recuperar su lugar después de la muerte de su padre Mufasa, combina drama familiar, humor y música.
Las canciones de Elton John y Tim Rice, junto con la música de Hans Zimmer, contribuyen ampliamente a su identidad.
El éxito superó ampliamente las expectativas.
La película se convirtió en una de las propiedades más importantes de Disney.
Un Renacimiento especialmente productivo
La etapa continuó con Pocahontas en 1995, The Hunchback of Notre Dame en 1996, Hercules en 1997, Mulan en 1998 y Tarzan en 1999.
Las películas exploraban universos visuales y culturales muy diferentes.
La música seguía siendo con frecuencia un elemento esencial.
El estudio abrió además varias unidades de producción por todo el mundo durante este periodo para acompañar el crecimiento de su actividad.
1999 — Tarzan
Tarzan marca simbólicamente el final de la década del Renacimiento Disney.
La película desarrolla especialmente la técnica Deep Canvas, que permite dar mayor profundidad a los entornos manteniendo la apariencia del dibujo pintado.
Los movimientos de Tarzan entre los árboles aprovechan especialmente esta tecnología.
Las canciones de Phil Collins también contribuyen fuertemente a la identidad de la película.
Los años 2000 — Una industria en transformación
A comienzos de los años 2000, la animación atraviesa una transformación radical.
El éxito de Pixar, DreamWorks Animation y otros estudios acelera la adopción de las imágenes generadas por ordenador.
Disney continúa, sin embargo, durante varios años produciendo principalmente animación dibujada.
The Emperor’s New Groove, Atlantis: The Lost Empire, Lilo & Stitch, Treasure Planet y Brother Bear muestran aproximaciones creativas muy diferentes.
2002 — Lilo & Stitch
Lilo & Stitch se estrenó en 2002.
La película cuenta el encuentro entre Lilo, una niña hawaiana solitaria, y Stitch, una criatura extraterrestre diseñada para sembrar el caos.
Su estilo visual utiliza especialmente fondos en acuarela.
El concepto de ohana, la familia que se elige y protege, se convierte en un tema central.
El éxito de la película transformó a Stitch en uno de los personajes Disney más populares de su generación.
Treasure Planet y las experimentaciones visuales
También estrenada en 2002, Treasure Planet traslada Treasure Island a un universo espacial.
La película combina personajes dibujados a mano, entornos digitales y animación 3D.
Constituye una demostración de las técnicas híbridas que Disney exploraba entonces.
Su fracaso comercial no impidió que posteriormente desarrollara una sólida reputación entre una parte del público.
2004 — Home on the Range
Home on the Range se estrenó en 2004.
En aquella época, Disney presentó la película como uno de los últimos grandes largometrajes tradicionales de su programa principal.
La industria avanzaba rápidamente hacia la 3D.
El cambio tecnológico transformaría profundamente la organización del estudio.
2005 — Chicken Little
Chicken Little, estrenada en 2005, se convirtió en el primer largometraje de Walt Disney Feature Animation producido completamente mediante imágenes de síntesis.
La película marcó una importante ruptura técnica.
Disney tuvo que desarrollar métodos de trabajo comparables a los de los nuevos estudios digitales mientras buscaba conservar su propia identidad.
Esta transición tuvo lugar durante una transformación más amplia de la compañía.
2006 — Disney adquiere Pixar
En 2006, The Walt Disney Company adquirió Pixar Animation Studios.
La operación tuvo importantes consecuencias para la organización de la animación Disney.
Ed Catmull y John Lasseter asumieron entonces responsabilidades compartidas sobre Pixar y Walt Disney Feature Animation.
El objetivo, sin embargo, no era fusionar ambos estudios.
Disney Animation y Pixar continuaron produciendo por separado con sus propios equipos e identidades.
2007 — Walt Disney Animation Studios
En 2007, Walt Disney Feature Animation adoptó oficialmente el nombre Walt Disney Animation Studios.
El cambio subrayaba tanto la continuidad con la herencia del estudio como la voluntad de no definir su actividad únicamente alrededor de una técnica o formato concreto.
Animación dibujada, imágenes de síntesis y tecnologías híbridas podían coexistir bajo una misma identidad.
2008 — Bolt
Bolt se estrenó en 2008.
La película cuenta la historia de un perro actor convencido de poseer realmente los superpoderes que interpreta en su serie de televisión.
Su producción acompañó una importante reorganización creativa del estudio.
La película suele considerarse una etapa hacia la nueva generación de producciones Disney que se impondría durante la década siguiente.
2009 — The Princess and the Frog
En 2009, Disney regresó a la animación tradicional con The Princess and the Frog.
La película presenta a Tiana, una joven de Nueva Orleans que sueña con abrir su propio restaurante.
John Musker y Ron Clements regresaron a la dirección.
La película combina cuento de hadas, música inspirada en Nueva Orleans y animación 2D.
Tiana se convirtió en la primera princesa negra del canon animado Disney.
2010 — Tangled
Tangled se estrenó en 2010 y se convirtió en el 50.º largometraje de animación del estudio.
Inspirada en Rapunzel, la película buscó combinar la sensibilidad visual del dibujo tradicional Disney con las posibilidades de la animación digital.
El cabello extremadamente largo de Rapunzel representó un gran desafío técnico.
El éxito de la película marcó otra etapa importante en la recuperación del estudio.
2011 — Winnie the Pooh
Winnie the Pooh, estrenada en 2011, marcó un nuevo regreso a la animación tradicional.
La película recuperó a Winnie, Piglet, Tigger, Eeyore y los demás habitantes del Hundred Acre Wood.
Después de esta producción, los largometrajes de Disney Animation se concentraron principalmente en las imágenes de síntesis, aunque el dibujo siguió siendo esencial para el desarrollo visual y los cortometrajes.
2012 — Wreck-It Ralph
Wreck-It Ralph se estrenó en 2012.
La película imagina el mundo vivo que existe detrás de las máquinas recreativas.
Ralph, tradicionalmente el villano de su juego, quiere demostrar que puede convertirse en héroe.
La producción mezcla diferentes universos visuales inspirados en varias generaciones de videojuegos.
Su éxito condujo posteriormente a Ralph Breaks the Internet en 2018.
2013 — Frozen
En 2013, Frozen volvió a transformar la escala del éxito de Disney Animation.
Inspirada libremente en The Snow Queen de Hans Christian Andersen, la película se centra principalmente en la relación entre las hermanas Anna y Elsa.
La canción Let It Go se convirtió en un fenómeno mundial.
La película superó los mil millones de dólares en taquilla y ganó el Óscar a la mejor película de animación.
Frozen se convirtió rápidamente en una de las franquicias más importantes de Disney.
2014 — Big Hero 6
Big Hero 6 se estrenó en 2014.
Inspirada en una propiedad de Marvel, la película sigue a Hiro Hamada, joven prodigio de la robótica, y al robot sanitario Baymax.
La ciudad de San Fransokyo mezcla influencias de San Francisco y Tokio.
La película ganó el Óscar a la mejor película de animación.
Baymax también se convirtió en uno de los personajes emblemáticos de la etapa moderna del estudio.
2016 — Zootopia
En 2016, Zootopia imaginó una enorme metrópolis diseñada para diferentes especies animales.
La coneja Judy Hopps sueña con convertirse en policía y debe colaborar con el zorro Nick Wilde para resolver una investigación.
Bajo su apariencia de comedia policial, la película aborda especialmente los prejuicios y la forma en que una sociedad puede crear o reforzar divisiones.
Zootopia superó los mil millones de dólares y ganó el Óscar a la mejor película de animación.
2016 — Moana
Ese mismo año se estrenó Moana.
La película sigue a una joven polinesia elegida por el océano para restaurar el equilibrio de su mundo.
Viaja junto al semidiós Maui.
Los equipos realizaron una importante labor de investigación sobre las culturas del Pacífico.
La película combina aventura, música y exploración de una identidad vinculada al mar y a la transmisión cultural.
Moana se convirtió progresivamente en una de las propiedades más populares del estudio.
2018 — Ralph Breaks the Internet
Ralph Breaks the Internet continuó en 2018 la historia de Ralph y Vanellope.
Los personajes abandonan el mundo cerrado de las recreativas para descubrir una representación inmensa y caótica de Internet.
La película juega con las plataformas, la cultura digital, los hábitos online y varias propiedades Disney.
Sobre todo, desarrolla la amistad entre Ralph y Vanellope cuando sus deseos comienzan a divergir.
2019 — Frozen II
Frozen II se estrenó en 2019.
La película profundiza en los orígenes de los poderes de Elsa y en la historia del reino de Arendelle.
Anna, Elsa, Kristoff, Olaf y Sven viajan hacia un bosque encantado.
La secuela superó ampliamente los mil millones de dólares de recaudación mundial.
Confirmó a Frozen como una de las principales franquicias contemporáneas de Walt Disney Animation Studios.
2021 — Raya and the Last Dragon
En 2021, Raya and the Last Dragon presentó el mundo fantástico de Kumandra.
Raya busca al último dragón con la esperanza de reunificar un territorio dividido.
La producción se inspira en diferentes culturas del Sudeste Asiático.
Su estreno estuvo profundamente marcado por la pandemia de Covid-19, con disponibilidad simultánea en algunas salas y mediante Disney+ Premier Access.
2021 — Encanto
Ese mismo año, Encanto contó la historia de la familia Madrigal en Colombia.
Cada miembro posee un don mágico excepto Mirabel.
La historia explora progresivamente las expectativas familiares, la presión de tener que ser excepcional y las heridas transmitidas entre generaciones.
Las canciones de Lin-Manuel Miranda desempeñan un papel central.
La música de la película obtuvo un enorme éxito y Encanto ganó el Óscar a la mejor película de animación.
2022 — Strange World
Strange World se estrenó en 2022.
La película sigue a varias generaciones de la familia Clade dentro de un mundo subterráneo lleno de criaturas y entornos insólitos.
Su estilo visual se inspira en los relatos pulp de aventura y ciencia ficción.
Su resultado comercial, sin embargo, quedó por debajo de los grandes éxitos recientes del estudio.
2023 — Wish y los 100 años
En 2023, Disney celebró el centenario de la compañía y de su legado de animación.
Wish fue concebida dentro de este contexto.
La película sigue a Asha, una joven que vive en el reino de Rosas y descubre la verdadera naturaleza del poder que el rey Magnifico ejerce sobre los deseos de su pueblo.
Visualmente, Disney buscó combinar el volumen de la animación digital con una estética inspirada en la ilustración y la acuarela.
La película funciona también como homenaje a varios motivos históricos del estudio.
2024 — Moana 2
En 2024, Moana 2 recuperó a Moana, Maui y el universo oceánico de la primera película.
El proyecto, inicialmente desarrollado bajo otra forma, terminó convirtiéndose en un largometraje destinado a las salas.
El éxito comercial fue enorme.
La película superó los mil millones de dólares de recaudación mundial.
Confirmó la posición de Moana entre las franquicias más poderosas de Disney Animation.
Una nueva dirección creativa
En septiembre de 2024, Jared Bush se convirtió en Chief Creative Officer de Walt Disney Animation Studios.
Guionista y director estrechamente vinculado a Zootopia, Encanto y sus universos, sucedió a Jennifer Lee.
Lee, que ocupaba el cargo desde 2018, volvió a centrarse más directamente en la creación cinematográfica, especialmente en la franquicia Frozen.
Clark Spencer permaneció como presidente del estudio.
Esta organización dirige la nueva etapa de Disney Animation.
2025 — Zootopia 2
En noviembre de 2025, Disney Animation regresó a Zootopia con Zootopia 2.
Judy Hopps y Nick Wilde investigan la misteriosa llegada de un reptil, Gary De’Snake, cuya presencia altera el equilibrio de la metrópolis.
La película está dirigida por Jared Bush y Byron Howard, con Yvett Merino en la producción.
Su lanzamiento mundial estableció inmediatamente varios récords.
Un éxito histórico
Zootopia 2 superó los mil millones de dólares apenas unas semanas después de su estreno.
A comienzos de 2026, también superó a Inside Out 2 para convertirse en la película de animación procedente de un estudio miembro de la Motion Picture Association con mayor recaudación mundial.
En primavera de 2026, sus ingresos se acercaban a los 1.900 millones de dólares.
La película se convirtió así en el mayor éxito comercial de la historia de Walt Disney Animation Studios.
La franquicia Zootopia alcanzó también una nueva dimensión internacional.
2026 — Hexed
En 2026, Walt Disney Animation Studios prepara Hexed, prevista para su estreno en cines el 25 de noviembre de 2026.
La película sigue a Billie, una adolescente impulsiva que descubre que posee poderes mágicos.
Este descubrimiento la lleva junto a su madre Alice fuera de su vida cotidiana hacia un vasto reino de brujas llamado Hexe.
El proyecto representa una nueva creación original después de varios años muy marcados por el regreso de grandes franquicias.
En octubre de 2026, la película todavía no se ha estrenado.
Un estudio con más de un siglo de historia
En 2026, Walt Disney Animation Studios posee más de un siglo de historia.
El estudio ha sobrevivido a múltiples transformaciones tecnológicas, la desaparición de sus fundadores, crisis económicas, reorganizaciones internas y la llegada de numerosos competidores.
Su actividad actual sigue construida alrededor del mismo principio general desarrollado durante sus primeras décadas: hacer evolucionar conjuntamente narración, arte y tecnología.
Continúa esta actividad desde Burbank y Vancouver, con equipos de directores, artistas, ingenieros e investigadores trabajando en las próximas generaciones de películas.
Lo que lo distingue
Más de un siglo de continuidad
Muy pocos estudios de animación poseen una historia que se remonte a los propios comienzos de la animación comercial estadounidense.
Desde 1923 hasta hoy, Disney Animation ha atravesado el cine mudo, el cine sonoro, el color, la animación tradicional, los procesos fotográficos, la informática y la 3D.
Esta continuidad crea un patrimonio excepcional.
Cada nueva generación de artistas trabaja con un siglo de películas, técnicas y personajes detrás de ella.
La innovación como tradición
El estudio nunca se ha limitado a una única tecnología.
Steamboat Willie desarrolló el uso del sonido sincronizado.
Flowers and Trees ayudó a imponer el Technicolor en la animación.
La cámara multiplano aportó mayor profundidad a los decorados.
Fantasia experimentó con sonido multicanal mediante Fantasound.
La xerografía transformó la fabricación de acetatos.
CAPS digitalizó el entintado, el color y la composición.
Las herramientas 3D modernas continúan esta misma lógica.
La tecnología cambia, pero su función sigue siendo ofrecer más posibilidades a los artistas.
El cuento como lenguaje universal
Una gran parte de la identidad Disney se construye alrededor de la adaptación o reinterpretación de cuentos, mitos y relatos literarios.
Snow White, Cinderella, Sleeping Beauty, The Little Mermaid, Beauty and the Beast, Aladdin, The Princess and the Frog, Tangled y Frozen pertenecen a esta tradición.
El estudio ya no se limita, sin embargo, al cuento europeo.
Sus películas modernas exploran también universos inspirados en el Pacífico, Colombia y el Sudeste Asiático, además de mundos completamente originales.
Personajes convertidos en iconos culturales
Mickey Mouse superó hace mucho tiempo su condición de simple personaje de cortometraje.
Otras creaciones Disney han seguido trayectorias comparables a diferentes escalas.
Snow White, Donald, Goofy, Tinker Bell, Ariel, Belle, Simba, Stitch, Elsa, Olaf, Baymax, Judy Hopps o Mirabel forman ya parte de varias generaciones de cultura popular.
Esta capacidad para crear personajes duraderos constituye una de las principales fortalezas históricas del estudio.
La música integrada en la narración
La música ocupa un lugar fundamental dentro de la animación Disney.
Desde las Silly Symphonies, el estudio explora la relación entre ritmo, imágenes y narración.
Los grandes largometrajes desarrollaron después una tradición de canciones capaces de hacer avanzar la historia y revelar a los personajes.
Este enfoque alcanzó varios de sus puntos culminantes durante el Renacimiento Disney y volvió con fuerza en producciones como Frozen, Moana y Encanto.
Animación tradicional y digital
La historia reciente del estudio no borra su herencia dibujada.
Incluso cuando las películas se producen mediante imágenes de síntesis, el dibujo sigue siendo fundamental para el desarrollo visual, la exploración de personajes, los storyboards y la concepción de entornos.
Producciones como Tangled o Wish buscan explícitamente acercar la 3D a sensibilidades procedentes de la ilustración tradicional.
Disney Animation considera así las técnicas como herramientas y no como identidades incompatibles.
Una identidad distinta de Pixar
Walt Disney Animation Studios y Pixar Animation Studios pertenecen ambos a The Walt Disney Company.
Siguen siendo, sin embargo, dos estudios distintos.
Disney Animation posee su propia dirección, sus equipos, su historia y sus proyectos.
Pixar conserva igualmente su identidad y su campus de Emeryville.
Esta separación permite a ambas estructuras desarrollar culturas y enfoques creativos diferentes dentro del mismo grupo.
A saber
- Walt Disney Animation Studios hace remontar su historia a 1923.
- El Disney Brothers Cartoon Studio fue fundado por Walt Disney y Roy O. Disney.
- El contrato que lanzó las Alice Comedies fue firmado el 16 de octubre de 1923.
- Las primeras producciones del estudio combinaban animación y acción real.
- Oswald the Lucky Rabbit precede a Mickey Mouse dentro de la historia del estudio.
- Walt perdió el control de los derechos sobre Oswald en 1928, experiencia que influyó profundamente en su posterior gestión de personajes y propiedades intelectuales.
- Mickey Mouse fue creado en 1928, especialmente con la contribución esencial de Ub Iwerks.
- Steamboat Willie se estrenó el 18 de noviembre de 1928 con una utilización histórica del sonido sincronizado.
- Las Silly Symphonies sirvieron como laboratorio artístico y técnico.
- Flowers and Trees utilizó Technicolor de tres bandas en 1932 y ganó un Óscar.
- The Old Mill mostró las posibilidades de la cámara multiplano en 1937.
- Snow White and the Seven Dwarfs se estrenó el 21 de diciembre de 1937.
- Su éxito permitió especialmente el desarrollo del gran estudio Disney de Burbank.
- Pinocchio y Fantasia se estrenaron en 1940.
- Fantasia estuvo asociada al desarrollo del sistema sonoro Fantasound.
- Dumbo se estrenó en 1941.
- Bambi se estrenó en 1942.
- Durante la Segunda Guerra Mundial, el estudio produjo numerosas películas educativas y vinculadas al esfuerzo bélico.
- Cinderella relanzó fuertemente la producción de largometrajes del estudio en 1950.
- Alice in Wonderland se estrenó en 1951 y Peter Pan en 1953.
- Lady and the Tramp se estrenó en 1955.
- Sleeping Beauty se estrenó en 1959.
- One Hundred and One Dalmatians generalizó el uso de la xerografía en 1961.
- Walt Disney murió en 1966.
- The Jungle Book, estrenada en 1967, fue el último largometraje animado cuyo desarrollo Walt supervisó personalmente en gran medida.
- The Aristocats se estrenó en 1970.
- The Rescuers se estrenó en 1977.
- The Fox and the Hound se estrenó en 1981 y acompañó la transición entre varias generaciones de animadores.
- The Black Cauldron se estrenó en 1985.
- The Great Mouse Detective se estrenó en 1986.
- Durante los años 1980, la actividad adoptó el nombre de Walt Disney Feature Animation.
- The Little Mermaid, estrenada en 1989, abrió el periodo conocido generalmente como Renacimiento Disney.
- El sistema digital CAPS fue desarrollado con Pixar.
- The Rescuers Down Under se convirtió en 1990 en el primer largometraje Disney finalizado completamente mediante CAPS.
- Beauty and the Beast se convirtió en 1991 en la primera película de animación nominada al Óscar a la mejor película.
- Aladdin se estrenó en 1992.
- The Lion King se estrenó en 1994 y se convirtió en uno de los mayores éxitos del estudio.
- Pocahontas, The Hunchback of Notre Dame, Hercules, Mulan y Tarzan continuaron el Renacimiento Disney.
- Lilo & Stitch se estrenó en 2002.
- Chicken Little se convirtió en 2005 en el primer largometraje de Disney Animation realizado completamente mediante imágenes de síntesis.
- The Walt Disney Company adquirió Pixar Animation Studios en 2006, pero los dos estudios siguieron siendo distintos.
- Walt Disney Feature Animation se convirtió en Walt Disney Animation Studios en 2007.
- The Princess and the Frog marcó en 2009 un importante regreso al dibujo tradicional.
- Tangled, estrenada en 2010, fue el 50.º largometraje de animación del estudio.
- Wreck-It Ralph se estrenó en 2012.
- Frozen se estrenó en 2013, superó los mil millones de dólares y se convirtió en una gran franquicia.
- Big Hero 6 se estrenó en 2014.
- Zootopia y Moana se estrenaron en 2016.
- Frozen II se estrenó en 2019 y superó los mil millones de dólares de recaudación mundial.
- Raya and the Last Dragon y Encanto se estrenaron en 2021.
- Encanto ganó el Óscar a la mejor película de animación.
- Strange World se estrenó en 2022.
- Wish acompañó en 2023 las celebraciones del centenario de Disney.
- Moana 2 se estrenó en 2024 y superó los mil millones de dólares de recaudación mundial.
- Jared Bush se convirtió en Chief Creative Officer en septiembre de 2024.
- Clark Spencer sigue siendo presidente de Walt Disney Animation Studios.
- Zootopia 2 se estrenó el 26 de noviembre de 2025.
- La película superó los 1.700 millones de dólares en enero de 2026 y se acercó a los 1.900 millones en primavera.
- Zootopia 2 se convirtió en el mayor éxito comercial de la historia de Walt Disney Animation Studios.
- Hexed está prevista para el 25 de noviembre de 2026.
- En octubre de 2026, Hexed todavía no se ha estrenado.
- Walt Disney Animation Studios posee actualmente actividades en Burbank y Vancouver.
- El estudio sigue formando parte de The Walt Disney Company, de manera distinta a Pixar Animation Studios.